ミッションステートメント Mission Statement

アーティストの支援をします。

ミッションステートメント Mission Statement

Our mission statement.
やおきギャラリーのミッションステートメントを公開しました。

やおきギャラリーの成立
Background

I have been strongly interested in Japanese contemporary art for five years. I have been to exhibitions to not only appreciate art pieces but to talk with the artists and buy their artwork. Every artist I met seemed highly dedicated to their art. However, it appears that there is an insufficient trade-off between holding an exhibition and actually selling their work, which can be seen as detrimental to their needs as artists.

この5年間、個人的に現代アートに強い関心を持ってきました。展示に行って作品を見たりアーティストと話をしたりする中で、個々のアーティストが確かな信念と技術を持ちアートに熱心に取り組んでいることを実感しました。一方で、展示機会と売買システムに明らかな不全がある。つまり、作品を制作する、展示スペースを借りる、作品を売るという「サイクル」の不全がある。この不全はアート活動の障害になっているのではないか?と疑問を持ちました。

Naoki Sasayama is one such artist who is looking for ways around this problem. He had an online group exhibition called 'Yurei ga ten 2014' selling his and other artists’ artwork at his blog 'Art Black Market'. Naoki's idea is one that embraces social media, but more needs to be done.

展示機会や売買システムの問題に取り組んでいるアーティストとして、笹山直規さんがいます。笹山さんはインターネット上に仮想のギャラリーを立ち上げ(「幽霊画展2014」)、ブログによって作品を販売しています(「美術闇市」)。ご自身のテーマである死体画は社会に忌避されがちで、それゆえ起きる展示と販売機会の問題を解決するために取り組まれている。この笹山さんのような優れたアーティストさえも公正に評価されない事実を直視する必要があると思います。

Art dealings have a role in providing not only economic support for each artist but also social and emotional one; the paying is also assertion, “Your creation are worth buying.”

アートの売買は、アーティストを経済的に支える役割、つまり展示費用や制作費用をまかなうといった役割のみならず、アーティストを社会的・心理的に支える役割、つまり作品やアーティストを評価する役割も果たしています。つまり、あなたの作品は価値がある、素晴らしい。だから金銭を支払う行動で表現する、ということです。

Imagine you visited an artist’s exhibition who has already got a lot of followers to their art and is deemed a success. Although they are famous, they generally only sell one or two pieces of art at most at an exhibition, and that's where the problem lies. Of course there will be success stories, but this is sadly a rarity in today's climate.

別の例を取り上げてみましょう。すでに自身の作品スタイルのフォロワーもいる人気のアーティストの展示に行ったときのことを考えてみます。彼は十分に知名度と賞賛を得ている。にもかかわらず、作品が売れていない、あるいは数点しか売れていないといった事態は数え上げればきりがないのではないでしょうか。

IIt costs between 30,000 to 100,000 yen to have an exhibition. If the artist's total artwork for the exhibition is only a few pieces at a maximum of 10,000 yen per piece their motivation to exhibit or even create could decrease or even result in having an exhibition become financially impossible.

1回の展示には制作費とスペースのレンタル代だけでも数万円の費用がかかります。1点がたかだか5000円から1万円の作品でも売れていない、売り上げが知名度に比例しない、という事態はアーティストの金銭的負担というコスト以上に、モチベーションの低下というリスクを持つとぼくは考えています。

So, I buy as possible as I can.
This is why I am called an art collector.

だから、できるだけ買う、という行動をとります。
これがぼくが「アートコレクター」と呼ばれている理由です。

With this artist problem in mind, I buy as much as possible to support local artists and the art scene in Japan. Even buying the lowest priced artwork could be the difference to an artist staying motivated and able to support themselves.

たかだか5000円から1万円の小額の購入でも、アーティストにとってはモチベーションを保つ理由になるだろう。アーティストがつまらない理由で制作をやめてはならない。それが信念です

やおきギャラリーの目的と戦略
The Purpose and The Next Strategy

This June I got a space at Ikebukuro, Tokyo for the purposes of exhibition or meeting. Because I thought it important to have a place to show and talk about our individual art.

One day, an artist, Makoto Watanabe talked to me that he was seeking place to hold his first solo exhibition. I thought it was a good chance to utilize the space. Then I quickly named it Yaoki Gallery, hurried to make a website to start a gallery. In other words, Yaoki Gallery started to satisfy the earnest demand of an artist.

His first solo exhibition was successful. Over 40 people visited my new gallery and they all stayed and talked there for about 1 hour or more.

今年の6月に展示や集会場所としての利用目的のため、池袋にスペースを取得しました。実感として、いつでも自分の作品を見せたり、自分の作品について人が集まって話したりすることができる場所があることが重要だと感じたからです。

ある日、アーティストの渡邉洵さんから初めての個展をするための場所に困っているという相談を受けました。ちょうどスペースを活用出来るチャンスだと思いました。それならぜひこのスペースを使ってくれと申し出て、急いで「やおきギャラリー」と名付け、ウェブサイトをこしらえ、ギャラリーを始めることにしました。言い直すと、やおきギャラリーが成立したのは、目の前のアーティストの切実な需要に応えるためでした。

彼の初個展は成功しました。40名以上の人々がオープンしたばかりのギャラリーに訪れ、皆1時間以上はそこにいて作品の話をしてくれました。

But a big problem is still to be solved. To sell their art. Artists must earn money by selling their art as a full-time artist to engage in.

しかしまだ積み残された課題があります。作品を売ることです。この課題を避けることは、ぼくの試みが失敗するのと同義です。アーティストが作品を作り続けるためには、それを売って生計を立てなければならない。

I found a research about global art market in 2015. It says 43% of art market shared by US, and 21% by UK. That means 54% is shared by English-speaking world. There’s good reason for me to going there.

https://news.artnet.com/market/tefaf-2016-art-market-report-443615

TEFAFのアートマーケットレポート2015によると、世界のアート市場の43%はアメリカ合衆国に、21%がイギリスによって占められています。つまり、英語圏だけで世界の64%の規模の市場があることがわかります。そこに行かない手はないでしょう。

So I’m learning art market system to sell our works globally. At the very beginning, we will help artists apply competitions or contest.

Here we go.

そこで、英語圏を主にしたアートの制度を学び、売買のシステムを学び、そこに入り込んでいきたいと思います。アーティストが国外のコンペティションやコンテストへ出品し作品を売る手助けをします。

いくぞ。